|
|
Richard Dadd (Chatham, Medway, Kent, 1 de agosto de 1817 – 7 de enero de 1886) Pintor y asesino inglés de época victoriana, conocido por sus cuadros de duendes, hadas, criaturas sobrenaturales y escenas orientales, pintadas con mucho detalle.
Me atrevo a decir que Tristan Tzara (fundador del movimiento Dadaísta, uso el apellido de Richard Dadd para bautizar esta corriente… (Ricardo Cuya Vera).
Octavio Paz nos habla del pintor
Desde muy joven demostró un gran talento para el dibujo; a los veinte años fue admitido en la Royal Academy of Arts, donde encontró a Augustus Egg, William Powell Frith y Henry Nelson O’Neill, con quienes fundó el grupo de pintura prerrealista The Clique, “La Pandilla”, en el que se hizo figura sobresaliente. En 1842 fue contratado por el abogado y exsíndico de Newport Sir Thomas Phillips para dibujar el itinerario por Grecia, Turquía, Palestina y Egipto que pretendía hacer. A fines de Diciembre, durante el viaje por el Nilo, Dadd sufrió un trágico cambio de personalidad que probablemente fue provocado por el consumo de opio y otras drogas, lo que agravó un trastorno bipolar que ya padecía con anterioridad, y creyó estar bajo el influjo del dios Osiris y ser su sacerdote, mostrándose sumamente irascible y violento.
Su condición hizo pensar inicialmente en una insolación. A su retorno en la primavera de 1843, le fue diagnosticada una enfermedad mental y su familia lo condujo a la villa de Cobham en Kent para restablecerse. En agosto del mismo año, durante un pacífico paseo por el campo, asesinó a su padre Robert con un cuchillo convencido de que era un príncipe de las tinieblas vestido del enemigo de su divinidad, Osiris, y escapó a Francia, donde fue detenido después de agredir a un turista. Trasladado a Inglaterra, fue internado en el frenopático de Bethlem durante veinte años, y en julio de 1864 fue trasladado al de Broadmoor, en las afueras de Londres, siempre recibiendo pocas visitas y sin dejar de pintar incasablemente. Falleció el 7 de enero de 1886 de una enfermedad pulmonar.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Carlos Fuentes Macías. (Panamá, 11 de noviembre de 1928 – México D.F., 15 de mayo de 2012). Escritor mexicano.
UN día con Carlos Fuentes
Su infancia transcurre en un ambiente cosmopolita entre Argentina, Chile, Brasil, Estados Unidos y otros países iberoamericanos. Estudia Derecho en México y en Suiza y trabaja en diversos organismos oficiales hasta 1958. Paralelamente, funda y dirige junto a Emmanuel Carballo la Revista Mexicana de Literatura y colabora en Siempre; en 1960 funda también El Espectador.
Entrevista en la que plantea sus ideas para el 2012
A los veintiséis años se da a conocer como escritor con el volumen de cuentos Los días enmascarados (1954), que recibe una buena acogida por parte de crítica y público. Tras obras como La región más transparente (1958) o Las buenas conciencias (1959) llega La muerte de Artemio Cruz (1962), con la que se consolida como escritor reconocido.
Posteriormente escribe el relato Aura (1962), de corte fantástico, los cuentos de Cantar de ciego (1966) y la novela corta Zona sagrada (1967). PorCambio de piel (1967), prohibida por la censura franquista, obtiene el Premio Biblioteca Breve y por su extensa novela Terra nostra (1975), que le lleva seis años escribir y con la que se da a conocer en el mundo entero, recibe el Premio Rómulo Gallegos de 1977.
En 1982 aparece su obra de teatro Orquídeas a la luz de la luna, que se estrena en Harvard y critica la política exterior de EEUU. Dos años después recibe el Premio Nacional de Literatura de México y finaliza su novela Gringo Viejo, que inició en 1948.
Recibe el Premio Miguel de Cervantes en 1987 y ese mismo año es elegido miembro del Consejo de Administración de la Biblioteca Pública de Nueva York. En 1990 publica Valiente mundo nuevo y en los años posteriores es condecorado con la Legión de Honor francesa (1992), la Orden al Mérito de Chile (1993) y el Premio Príncipe de Asturias (1994), entre otros numerosos honores.
Recibe el Premio Real Academia Española de Creación Literaria en 2004 y posteriormente publica Todas las familias felices (2006), La voluntad y la fortuna (2008) y Adán en Edén (2009).
Además de su labor como literato destaca por sus ensayos sobre literatura y por su actividad periodística paralela, escribiendo regularmente para el New York Times, Diario 16, El País y ABC.
Su intensa vida académica se resume con los títulos de catedrático en las universidades de Harvard y Cambridge (Inglaterra), así como la larga lista de sus doctorados honoris causa por las Universidades de Harvard, Cambridge, Essex, Miami y Chicago, entre otras.
El escritor fallece el15 de mayo del 2012 a los 83 años en la capital mexicana.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Daphne Dougall de Zileri (1936 – 2011), nació en Argentina.
Fotógrafa que con estilo y punto de vista singular registró una visión del mundo.
Contrajo matrimonio en el Perú con el periodista Enrique Zileri.
VÍDEO en el que Mario Vargas Llosa presenta la muestra fotográfica.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Dante Alighieri (Florencia, c. 29 de mayo de 1265 – Rávena, 14 de septiembre de 1321) Poeta italiano. Escribe La Divina Comedia, su obra maestra, creación fundamental de la transición del pensamiento medieval al renacentista. Joya de la literatura italiana y emblema de la literatura universal. Dante es conocido como “el Poeta Supremo” (il Sommo Poeta). También se le llama el “Padre del idioma” italiano. Su primer biógrafo es Giovanni Boccaccio (1313-1375), en el Trattatello in laude di Dante.
La divina Comedia (documental) / prepara un café pasado y siéntate a ver este vídeo…
Activo político, por lo que fue desterrado de su ciudad natal. Defensor de la unidad italiana. Escribió varios tratados en latín sobre literatura, política y filosofía. Escribe el tratado en latín De Monarchia, de 1310, que constituye una exposición detallada de sus ideas políticas, entre las cuales se encuentran la necesidad de la existencia de un Sacro Imperio Romano y la separación de la Iglesia y el Estado. Luchó contra los Gibelinos de Arezzo. La fecha exacta del nacimiento de Dante es desconocida, se cree que es por 1265.
El infierno que nos pinta Dante
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Me sucede cada año por la fecha en que todos celebran el DÍA DE LA MADRE…
Añorar a mi madre, la que no conocí por su muerte temprana, la perdí cuando tenía ocho meses.
Hay canciones que me tocan y me ponen en un estado alpha.
Leo DAN canta “La sombra de mi madre”
Palito Ortega canta “La sonrisa de mamá”
Lucha Reyes “Una carta al cielo”
Ramón Avilés “Cabellos blancos… los de mi madre”
Juan Gabriel canta “Amor eterno”
Roberto Carlos canta “Lady Laura” (dedicado a su madre)
Manuel Acosta Ojeda compone y canta MADRE
Los embajadores criollos cantan “A mi Madre”
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Salvador Domènec Felip Jacint Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, (Figueras, España, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989). Pintor español hiperrealista, magnífico surrealista metafísico.
BIOgrafía
Dalí pinta escenas y personajes salidos de sueños y alucinaciones lúcidas en las que vemos el inconsciente, sus pasiones, temores y deseos. Su teatralización sobre los lienzos es impactante. Experto dibujante, genial pintor. Es un post renacentista del siglo XX. Cultiva el cine, la escultura y la fotografía, actividad en ciertos casos compartida con artistas audiovisuales. Su estilo es reconocible. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», de 1931.
Entrevista de Soler a Dalí 1 de 8
Dalí descubrió que un toque de locura daba primeras páginas en los periódicos y que esto valorizaba más sus obras. La fama acrecentaba el precio de sus obras.
2 de 8
En 1924 un todavía desconocido Salvador Dalí ilustró un libro por primera vez. Era una publicación del poema en catalán Les Bruixes de Llers, de uno de sus amigos de la residencia, el poeta Carles Fages de Climent. Dalí pronto se familiarizó con el dadaísmo, influencia que lo marcó el resto de su vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta.
3 de 8
Dalí fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exámenes finales, por afirmar que no había nadie en ésta en condiciones de examinarlo. La maestría de sus recursos pictóricos se refleja en su impecablemente realista Cesta de pan, pintada en 1926. Ese mismo año, visitó París por primera vez, donde conoció a Pablo Picasso, a quien el joven Dalí admiraría profundamente. Picasso ya había recibido algunos comentarios elogiosos sobre Dalí de parte de Joan Miró. Con el paso del tiempo y el desarrollo de un estilo propio, Dalí se convirtió a su vez en una referencia y en un factor influyente en la pintura de éstos.
4 de 8
En 1929 Dalí colaboró con el director de cine Luis Buñuel, amigo de la residencia de estudiantes, en la redacción del polémico cortometraje “Un chien andalou”, en el que se mostraban escenas propias del imaginario surrealista. Dalí afirmó haber desempeñado un papel esencial en el rodaje del film, sin que este extremo se haya visto confirmado por la historiografía del arte contemporáneo. En agosto de ese mismo año conoció a su musa y futura esposa Gala. Nacida con el nombre de Elena Dmitrievna Diakonova, migrante rusa, once años mayor que él, en aquel tiempo casada con el poeta francés Paul Éluard. Ese mismo año, Dalí continuó exponiendo regularmente, ya como profesional, y se unió oficialmente al grupo surrealista afincado en el barrio parisino de Montparnasse. Durante los dos años siguientes, su trabajo influyó enormemente en el rumbo del surrealismo, que lo aclamó como creador del método paranoico-crítico, el cual, según se decía, ayudaba a acceder al subconsciente, liberando energías artísticas creadoras.
5 de 8
En 1931 Dalí pintó una de sus obras más célebres, La persistencia de la memoria (Los relojes blandos), obra en la que según algunas teorías ilustró su rechazo del tiempo como una entidad rígida o determinista. Esta idea se ve apoyada por otras imágenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes de bolsillo devorados por insectos. Los insectos, por otra parte, formarían parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural y, tal como explicó en sus memorias, venía determinada por un recuerdo de infancia.
6 de 8
En 1940, con la Segunda Guerra Mundial arrasando Europa, Dalí y Gala huyeron a los Estados Unidos, donde vivieron durante ocho años. Después de la mudanza, Dalí retomó su antiguo catolicismo. «Durante ese período», informan Robert y Nicholas Descharnes, «Dalí nunca dejó de escribir».
7 de 8
En 1941 Dalí entregó un guion cinematográfico a Jean Gabin, titulado Moontide (en español, Marea lunar). En 1942 publicó su autobiografía, La vida secreta de Salvador Dalí.
Al final de su carrera, Dalí no se limitó a la pintura, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales: creó un boletín y se convirtió en uno de los pioneros de la holografía artística, algo nada extraño considerando su larga exploración artística de juegos visuales. Ya durante sus últimos años, artistas de la talla de Andy Warhol proclamaron al catalán como una de las influencias más notables del pop art.
8 de 8 (Fin/End)
El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e Isolda, de Richard Wagner— fallece a causa de un paro cardio respiratorio en Figueras, con 84 años. Yace en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo. Su cripta se encuentra al otro lado de la iglesia de Sant Pere, donde había sido bautizado, había recibido su primera comunión y donde descansa desde entonces; tres manzanas más allá de su casa natal. Para evitar tensiones entre el gobierno central y autonómico, Dalí testó en 1982 a favor del estado español como heredero universal de su obra.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Giovanni Battista Piranesi (Mogliano Veneto, cerca de Treviso, 4 de octubre de 1720 – Roma, 9 de noviembre de 1778). Arquitecto, investigador y grabador italiano. Realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles.
Expo Las Artes de Piranesi. CaixaForum. Obra Social “la Caixa”
Ahora, por primera vez, una muestra en CaixaForum Madrid pone el acento en la contemporaneidad de la figura de Piranesi con un planteamiento inédito hasta la fecha: se presenta al artista como un creador moderno y comprometido en la renovación de la arquitectura y se utilizan las tecnologías más avanzadas para descubrir la riqueza de la obra de Piranesi, su eclecticismo y su excéntrica vena creativa. Las artes de Piranesi. Arquitecto, grabador, anticuario, vedutista y diseñador ha sido concebida por Michele de Lucchi, producida por la Fondazione Giorgio Cini, junto con Factum Arte, y organizada por la Obra Social “la Caixa”. La muestra, que reúne más de 250 grabados originales, destaca la multidisciplinariedad, el estilo y la extraordinaria modernidad del artista veneciano.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV
rcuya@yahoo.es
Marco Aurelio Denegri Santagadea (Lima, 06 de mayo de 1938) es un intelectual, crítico de literatura, caricaturista, sexólogo, polígrafo y gramático peruano.
Denegri estudió Derecho en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, y posteriormente siguió estudios de Sexología y Sociología.
La cultura y sus enemigos (1 de 2)
(2 de 2)
En la década de 1970 fue director de la “Revista Científica y Artística de Cultura Sexual” Fáscinum. El primer número fue editado en abril de 1972.
Sobre las lisuras
Su carrera en ta televisión peruana empezó en 1973. Aquellos programas son considerados sui géneris porque han fomentado el espíritu crítico. Condujo desde 1997 a 2000 A solas con Marco Aurelio Denegri en el desaparecido Cable Mágico Cultural.
El efecto Google
Renunció a Cable Mágico en el año 2000. Luego pasó a las filas de la entonces llamada Televisión Nacional del Perú, conduce un programa de televisión llamado La función de la palabra transmitido por TV Perú analiza aspectos de la cultura, aunque él considera que su programa es contracultural. Los temas que procesa son variados, desde la música hasta la belleza de las manos.
Sexología (advertimos…)
Sus artículos han sido recopilados bajo el título De esto y aquello por la Universidad Ricardo Palma. Actualmente escribe para El Comercio una columna todos los lunes, donde aborda temas de cultura.
El doctor Denegri es amante del cajón peruano. Introdujo el término cajonística para referirse al arte de tocar cajón afroperuano.
Maestros del CAJÓN Peruano (Alez Acuña)
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV
Mail: rcuya@yahoo.es
Keith Haring (Reading, Pensilvania, 4 de mayo de 1958 – Nueva York, 16 de febrero de 1990) artista y activista social. Artífice de la generación pop y la cultura callejera de Nueva York por los 80.
Haring en el Walker Art Center (1984)
Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburgh, donde comenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Y posteriormente continúo sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York durante 1978 y 1979.
Haring en el Brooklyn Museum.
En el verano de 1979 realizó una performance titulada Poetry-Word-Things, en el Club 57 de Manhattan. En 1980 comenzó a hacer grafitis, dibujando con rotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metro de Nueva York. Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tiza blanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Fue arrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública.
Haring Universe (parte 1 de 7)
Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda, rompiendo barreras entre estos campos. La iconografía era una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando; a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebés gateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energía nuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. Su primera exposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York, en 1982.
Perro rojo (1985), escultura ubicada en Ulm, Baden-Württemberg, Alemania.
2 de 7
El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibra de vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china, los all-over de Alechinsky, Andy Warhol y Mark Tobey, a partir de los cuales evolucionó hacia su estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca que recuerda a Pollock y a Penck.
3 de 7
4 de 7
Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones para darles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, posters y pintura corporal.
5 de 7
6 de 7
En 1986 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año abrió la boutique Pop Shop, en la que vendía sus productos. En 1989 creó la Fundación Keith Haring cuyo objetivo es luchar por la solución de los problemas sociales. Murió víctima del sida en Nueva York, el 16 de febrero de 1990.
7 de 7
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV rcuya@yahoo.es
Edvard Munch /ˈɛdvɑ:ʈ mʉŋk/ (Løten, 12 de diciembre de 1863 – Ekely, 23 de enero de 1944) Pintor y grabador noruego de la corriente expresionista. Inspirado en la angustia humana aportó al expresionismo alemán de comienzos del siglo XX.
El grito, es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que una cuarta versión pertenece a una colección particular.
Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial.
“El grito” de Edvard Munch, una de las imágenes más famosas del arte, se vendió por un récord de 119,9 millones de dólares en Nueva York.
El cuadro de 1895, un símbolo moderno de la ansiedad humana, fue rematado en la casa Sotheby’s el miércoles 2 de mayo de 2012, por la noche.
Munch, Hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era hombre dominado por obsesiones de tipo religioso que murió en 1889. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada.
Sotheby’s muestra en Londres “El grito” de Munch que saldrá a subasta
En el año 1879 comienza la carrera de ingeniería pero unos años más tarde lo deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo, hasta que en el año 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. El pintor naturalista noruego, Christian Krohg fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo) donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital.
En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París. Ese mismo año participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886.
En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del publico lo aclamara con entusiasmo.
Estuvo en 1892 viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París donde realizó numerosas exposiciones como la de Berlín la cual tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa, asociación de artistas dirigida por el gobierno conservador de Berlín. En 1893 entabla relaciones con la tertulia del «Cochinillo negro» lugar frecuentado por los artistas de la época. Ese mismo año pinta El grito.
Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes, a pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor.
El 23 de enero de 1944 muere en Noruega como había vivido: completamente solo.
Publicado por Ricardo Cuya Vera, director de Arte y Cultura TV
e-mail: rcuya@yahoo.es
|
|
Comentarios